La hermosa estatua ecuestre de Carlos IV, mejor conocida como El Caballito, ha visto pasar la historia de México y lo seguirá haciendo desde su sitio actual o, desde algún otro, pues lo suyo ha sido migrar en múltiples ocasiones.

El hacedor de la estatua, Manuel Tolsá, llegó a México o a la entonces Nueva España en 1791, para asumir el cargo de director de escultura de la Academia de San Carlos, de muy reciente creación. Le fueron encargados múltiples proyectos y ya era muy reconocido para cuando el Virrey Branciforte le pidió la construcción de esta estatua.

¿Por qué Carlos IV? No existe una razón de peso para que su estatua fuera construida para ocupar la Plaza Mayor de México, pero así fue. En realidad Carlos IV fue un monarca mediocre, que tuvo un corto periodo de reinado, de 1788 a 1808, y terminó abdicando a favor de su hijo. Bajo este horizonte, para él no era más que buena prensa el permitir que reprodujeran su estatua en cualquier parte del mundo.

El proceso de construcción de una obra de esta magnitud en aquellos años, requirió mucho dinero, pero sobre todo, tiempo. Para empezar, en ese primer año de trabajos (1796) no se reunían los 600 quintales (casi 28 toneladas) de bronce que eran necesarios para el vaciado de la pieza. Tolsá entonces propuso la solución de inaugurar con una pieza provisional en madera, mientras se reunía el metal. El virrey que había propuesto el diseño de la estatua no la vio nunca colocada, pues fue retirado de su cargo por numerosos actos de corrupción…

Luego de varios años en los que se esperó para reunir el metal, al fin el molde listo para la estatua fue vaciado en 1802. Se trataba la escultura más grande y de una sola pieza que se hacía en los dominios españoles de América. La enorme escultura de bronce medía 4.88 metros de altura por 1.78 metros de ancho y 5.40 metros de largo. Su peso era de casi 6 toneladas.

Tolsá necesitó, según la información del ingeniero Manuel Aguirre, 14 meses para cortar, limar, cincelar y pulir la escultura. Se dice que para sacar el relleno que todavía quedaba en su interior se le hizo un orificio al caballo por donde pasaba un trabajar. Por curiosidad, se metieron muchos hombres para saber cuántos cabían. Veinticinco lograron entrar y desde entonces también se le conoció como Caballito de Troya.

Entonces, el primer lugar en el que se encontró la estatua fue donde se realizó su trabajo de hechura. Se trató de la Huerta del Colegio de San Gregorio, en la manzana de lo que hoy conocemos como el Colegio de San Ildefonso, El Carmen, Venezuela y Rodríguez Puebla. Luego, llegó la gran inauguración al colocarla en el pedestal en la Plaza Mayor, actual Zócalo, el 9 de diciembre de 1803.

La estatua fue admirada y era un símbolo claro de la dominación española sobre los Aztecas. El percherín en el que va montado el rey, pisa con la pata trasera derecha los símbolos del antiguo imperio Azteca.

Allí permaneció, claro, hasta después de la Independencia de México y la entrada del Ejército trigarante a la Ciudad. La única manera de que la estatua no fuera destruida era escondiéndola. La colocaron dentro de un globo y construyeron un pedestal alrededor.

El caballito es una obra de arte y don Lucas Alamán, hombre ilustrado y ministro de Relaciones Interiores y Exteriores del nuevo gobierno, sugirió que fuera conservado y se decidió colocarla en el claustro de la Pontificia y Nacional Universidad de México.

De 1823 a 1852, permaneció enclaustrada, hasta que se decidió colocarla en una glorieta cerca de Bucareli. Su traslado fue arduo y antes de que eso sucediera, se decidió quitar el águila y el carcaj que pisaba el percherín como símbolo de dominio.

Allí vio pasar a López de Santa Ana, la llegada de Benito Juárez, el imperio de Maximiliano, de nuevo Juárez en el poder y después Porfirio Díaz. Luego del porfirismo siguieron todos los gobiernos modernos y llegó la década de los setenta, justo cuando la construcción de los ejes viales, lo retiraron de su conocido lugar. En 1979 se le movió para llevarlo a la plaza Tolsá, frente al Museo Nacional de Arte. Plaza remodelada especialmente para colocarlo allí y donde parece lucir con toda serenidad su belleza.

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Más que su color, su textura es fascinación pura. Parece bajado del cielo. Es como una nube que termina disolviéndose apenas aterriza en la boca.

Son finísimos hilos de azúcar que se van enredando unos sobre otros. Su hechura es parte de su encanto. Acercarse a comprar un algodón es todavía más fascinante si nos detenemos a ver cómo se construye. Es como el pelo de un ángel que, apenas saliendo del centro de una máquina, comienza una danza etérea y sin prisa. Sólo la mano de un experto algodonero es capaz de conducirlo a su destino: a formar una nube de color pastel, amarrada a la tierra por tan solo un simple palito de madera.

Todas las imágenes que crean y evocan son tan lúdicas, que ningún niño o niña en el mundo se les resiste. Los algodones azucarados son todo un clásico de ferias y circos. Parecen estar irremediablemente ligados al goce infantil. La historia informal cuenta que en los años treinta del siglo pasado, fue el Circo Atayde quien trajo dos máquinas con su respectivo hacedor y dueño, un algodonero inglés. Y éste, al parecer, le vendió una a Don Cruz Arroyo de Toríz, en la ciudad de Puebla, desde donde se empezó a extender al resto del país con el paso de los años.

Huele intensamente a caramelo el sitio donde los preparan. Y tal cual abejas al panal, los niños se acercan. Los algodoneros son pues, como magos haciendo lo propio frente a un público siempre agradecido y complacido con los resultados. Y cuando llega el momento, la fascinación aumenta, pues apenas se le da un mordisco, desaparece como otro acto de magia, dejando apenas un dulce sabor en la boca.

La documentación conocida de este invento, según Wikipedia, menciona a un par de inventores que dieron a conocer su máquina de hacer algodones en la Feria Mundial de Francia de 1900, con el nombre Fairy Floss (Seda de hadas). William Morrison y John Warthon, fueron quienes la llevaron luego a la Feria Mundial de Saint Louis, Estados Unidos, de 1904. El precio de los algodones, sin embargo, era de 25 centavos y, aunque excesivo para la época, se convirtió en todo un éxito. Después de esto, las tiendas de golosinas comenzaron a comprar las máquinas ofreciendo el producto por un precio inferior y con el nombre de sugar spun (hilado de azúcar), sólo que la maquinaria era aún muy frágil. Pero en 1940, la empresa Gold Metal Products, creó otro modelo con base en el principio de sus inventores, pero más resistentes. El precio de cada pieza bajó todavía más y así fue como los algodones se consolidaron.

Hace décadas, los algodoneros eran personajes mucho más comunes en la vida diaria de las ciudades. Callejeando entre semana y concentrándose en las plazas y jardines sobre todo los domingos, los algodoneros eran personajes de rigor. Sin embargo, hoy las ferias y los circos han sido los reductos actuales de estos personajes.

A veces con vistosos uniformes, otras como hombres o mujeres comunes y corrientes, pero los algodoneros siempre serán los dueños de un misterioso don que hace que las nubes bajen y vestidas de rosa o azul, sean una hermosa golosina para los niños de todas las edades.

Fotos Shutterstock | Gaby Maldonado

Muy cerca de la Ciudad de México y por tanto lugar de escapada de un sector de la población intelectual, artística y también mística de la ciudad, este pueblo cobijado por el imponente cerro del Tepozteco tiene un espíritu y personalidad únicos y fascinantes.

Desde unos cuantos kilómetros antes de llegar a Tepoztlán, Morelos, ya se siente su energía. Un verde profundo tapiza la tierra, pero también los cerros rocosos de formas únicas que rodean al pueblo. Una vez en el centro, su empedrado y la presencia de su ex convento de La Natividad, lo hacen romántico, nostálgico y profundamente mexicano.

Conocido por la expedición a la punta del cerro del Tepozteco, que en realidad es una meseta, donde se encuentra una pirámide construida por los tepoztecos entre el año 1150 y 1350 d.C., así como por sus múltiples lugares de descanso y terapias holísticas, Tepoztlán es una invitación al contacto con la naturaleza, la espiritualidad y la propia conciencia.

Subir al Tepozteco lleva, a paso medio, alrededor de una hora. Los domingos es entrada libre, de otra forma, hay que pagar un donativo. Una vez arriba, la vista compensa el esfuerzo. La pirámide en la que se puede tomar aire para emprender el camino de vuelta, fue un templo erigido en honor de Ometochtli Tepoztécatl, dios del pulque relacionado con la fertilidad y las buenas cosechas. Todo lo cual lo convirtió en un santuario al que llegan incluso de Centroamérica.

Si la agenda sigue este orden, no hay como bajar a desayunar o almorzar en los múltiples sitios del tianguis de comida en el centro del pueblo, o en los múltiples restaurantes que fusionan comida típica con otras cocinas como la francesa. Es el caso de Casa Piñón, o el Restaurant Pascals, que ofrece comida franco-sonorense y tepozteca, para los más aventurados.

¿Lugares de interés? Lo mismo el ex convento de La Natividad, construido por los dominicos en el siglo XVI y designado Patrimonio de la Humanidad, que comer una de sus famosas nieves mientras se camina por el pueblo o se visita el Museo Carlos Pellicer, el paraje turístico La Canasta o vas a conocer el famoso pueblo de Amatlán que se encuentra a un paso y que fue el lugar donde nació Ce Acatl Topiltzin Quetzalcóatl.

Además de esto, no cabe duda que dos de las actividades que han logrado mayor popularidad han sido los masajes y el temazcal. Hay para todos los bolsillos. Lo mismo sitios rústicos para pasar la noche y tomar las dos actividades a la vez, que spas muy sofisticados con todos los servicios imaginables, incluidos piscinas y jacuzzis, como el famoso Hostal de la Luz en Amatlán.

Por otro lado, en Tepoztlán hay una oferta amplia de posadas, hoteles y rentas de casas, para pasar el fin de semana o realizar fiestas. Y como tantos son sus atractivos y tan pequeñito es el pueblo que, si decides visitarlo, lo mejor es reservar, pues los fines de semana resulta imposible encontrar alojamiento.

Fotos clixyou | Hostal de la Luz

Premio Cervantes, Premio Juan Rulfo y Premio Herralde, son algunas de sus distinciones. Para él, todo está contenido en la literatura: “lo que le da unidad a mi existencia es la literatura; todo lo vivido, pensado, añorado, imaginado, está contenido en ella. Más que un espejo es una radiografía: es el sueño de lo real”.

Nacido en Puebla el 18 de marzo de 1933, de ascendencia italiana y arraigado en Veracruz, Pitol pasó por una infancia difícil al fallecer su madre y contraer malaria a la edad de 4 años. Vivió prácticamente encerrado por ocho años y por supuesto que toda esta experiencia marcó su vida. Una vez recuperado, no deseaba más que viajar y lo hizo. Ha reconocido públicamente: “Soltar amarras, enfrentarme sin temor al amplio mundo y quemar mis naves fueron operaciones que en sucesivas ocasiones modificaron mi vida y, por ende, mi labor literaria. En esos años de errancia se conformó el cuerpo de mi obra”.

Sergio Pitol Demenegui fue estudiante en Roma, traductor en Pekín y Barcelona, profesor universitario en Xalapa y Bristol, y diplomático en diversos lugares, pues desde 1960 fue miembro del Servicio Exterior Mexicano. Fue consejero cultural de las embajadas mexicanas en Francia, Hungría, Polonia y la Unión Soviética. Fue  director de Asuntos Culturales de la Secretaría de Relaciones Exteriores, director de Asuntos Internacionales del INBA y embajador en Checoslovaquia.

Estudió derecho en la UNAM, en la Universidad Veracruzana y en la Universidad de Bristol. El reconocimiento a Pitol se le hace por su obra literaria, pero también por ser un gran difusor de la cultura, especialmente de la preservación del patrimonio artístico e histórico mexicano.

Empezó a publicar tardíamente. Según sus propias palabras, empezó escribiendo cuento y le costó mucho tiempo sentirse seguro de su trabajo. Su primera publicación fue “No hay tal lugar” en 1967, le siguió “Infierno de todos”, “El clima”, “El tañido de una flauta” y un desfile de más de 10 obras, además de muchísimas publicaciones de ensayos en diarios y revistas. El 2005 se llevó el Premio Cervantes y fue la culminación de una gran carrera literaria. Su trabajo, sin embargo, continúa y esperemos que pronto salga del horno algún otro libro suyo.

Fotos Vasco Szinetar | 123 NonStop | La Periódica Revisión Dominical

Las Ventanas al Paraíso es una de las mejores experiencias en resorts nacionales y mundiales. Sencillamente, es el punto más cercano entre la Tierra y el Paraíso.

A menos de dos horas de San Diego o la Ciudad de México, y a dos horas y diez minutos de Los Ángeles, este resort está situado entre San José del Cabo y Cabo San Lucas, en el área conocida como Cabo Real, a tan sólo 20 minutos al suroeste del Aeropuerto Internacional de San José del Cabo, en Baja California Sur.

Los Cabos, fue un lugar descubierto por Hollywood, pues en los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial, los y las divas de entonces llegaban a Los Cabos a pescar y relajarse en privado. Situada al final de la Península de Baja California, esta zona guarda uno de los ambientes marinos más ricos del planeta en la medida que se mezclan el Océano Pacífico y el Mar de Cortés en sus orillas. Además, su paisaje desértico es enigmático por su enorme mosaico de color y texturas.

Las Ventanas ha sido desde su apertura, un suceso en México y el mundo. Es el único resort 5 Diamantes de Los Cabos y ha cautivado por la belleza de sus amplias suites, su spa de clase mundial, y su cocina y ambiente impactantes. Uno de sus grandes aciertos ha sido armonizar de manera perfecta el salvaje entorno desértico con una elegancia muy refinada en su diseño y arquitectura. El resultado es perfecto.

¿Qué ofrece este resort de la cadena Rosewood propiedad de Ty Warner? Dos canchas de tenis de lujo para usarse las 24 horas del día, servicios excelentes en las piscinas, un programa especial culinario donde lo mismo se puede cenar a la orilla del mar con mesa y fogata privada, que hacer la propia cena en una cocina privada al aire libre y con mesero privado, o tomar clases de cocina con el chef del hotel. Qué decir de los servicios del spa, el gimnasio y el platón con fruta fresca todos los días en la habitación. Hay posibilidad de jugar golf, velear, dar un paseo en yate, hacer un recorrido para observar las ballenas, una expedcición al desierto y hasta contemple un programa de lujo para mascotas.

Todo parece salido de un cuento paradisíaco. Y lo es.

Los Angeles County Museum of Art (LACMA) abre espacios regularmente para artistas mexicanos y, en esta ocasión, la culiacanense Teresa Margolles ocupa la oportunidad con VIA/Stage 2.

Hasta abril, la artista muestra su creación de seis bancas en concreto hechas a medida, en un área ubicada cerca de la plaza norte y la gran entrada a LACMA. El concreto con el cual están hechas las bancas incorpora el líquido que fue usado para limpiar los cuerpos en una sala de autopsias en México.

En colaboración con LAND, Los Angeles Nomadic Division, que es una inicitativa que trabaja en la curaduría y la ubicación del arte público que se presenta en Los Angeles y sus alrededores, se definió que este jardín de LACMA funcionaba perfectamente para los fines de la obra de Margolles, la cual tiene la intención de ser la abstracción de cuerpos humanos postrados sobre el piso.

Teresa Margolles nació en Culiacán Sinaloa, donde estudió Arte, Ciencias de la Comunicación y se diplomó en Medicina Forense. Desde entonces su trabajo incorpora el desarrollo social y conceptual de estrategias artísticas con base en el uso de sustancias corporales e imágenes de cuerpos. Su trabajo se ha ido colocando en diversos espacios
alrededor del mundo y fue la representante oficial de México en la 53 Bienal de Venecia en 2009.

Esta muestra es cortesía del Jardín Botánico de Culiacán y CIAC, pues fue utilizada previamente en esta ciudad mexicana con la intención de ser una especie de monumento a la muerte, donde el espectador podía encontrar paz enmedio de las tragedias. La estética minimal y elegante de la obra de Margolles, y su ubicación específica en este hermoso sitio al aire libre, donde de manera natural se produce el descanso y la contemplación, sugiere a los paseantes la posibilidad de que la brutalidad y la poesía coexistan.

Y para completar la experiencia en LACMA, hay que saber que la enorme colección de este museo incluye arte chino, africano, pintura y escultura europea, textiles y diseños, arte prehispánico de América, arte del pacífico, islámico, egipcio, moderno, japonés, fotografía y arte latinoamericano, entre muchas colecciones más. Encima, cuenta con múltiples ciclos de cine de autor, así como conciertos y espectáculos diversos, incluidas actividades para niños. Quien esté en LA, que no pierda la oportunidad de vivir un sitio con semejante vida cultural, por allá, a mitad de camino del centro de Los Angeles y Santa Mónica.

Diana la Cazadora apunta al cielo. Su  verdadero nombre es “La Flechadora de las Estrellas del Norte” y habita en conocida glorieta del Paseo de la Reforma en la Ciudad de México, desde 1942.

Durante el mandato de Manuel Ávila Camacho y del regente del Distrito Federal de aquél entonces, Javier Rojo Gómez, se inició un programa de embellecimiento de la ciudad que incluía la creación de varias fuentes monumentales en glorietas o esquinas representativas.

El arquitecto Vicente Mendiola y el escultor Juan Olaguíbel, fueron los comisionados para construir una de esas fuentes. El tema elegido fue el de la diosa Diana, la diosa romana de la caza, sólo que en vez de cazar bestias en los bosques, Diana flecharía las estrellas de los cielos del norte.

Cuenta la historia que la modelo que sirvió de guía al escultor fue una jovencita de apenas 16 años, de nombre Helvia Martínez Verdayes, que trabajaba por las tardes como secretaria en las oficinas de Petróleos Mexicanos. A cambio de quedar inmortalizada, Helvia no cobró un peso por posar desnuda.

Una vez terminada la escultura, Diana fue inaugurada el 10 de octubre de 1942. Admirada desde entonces por muchos, también se ganó las críticas de los sectores ultraconservadores del país. La famosa Liga de la Decencia llevó a cabo muchos actos de protesta por la desnudez de Diana y hasta ropa interior de tela le pusieron a la escultura. Al año, el escultor tuvo que colocarle un calzoncillo de bronce, el cual fijó con tan sólo tres puntos de soldadura, esperando que esos tiempos se rebasaran poco más tarde.

Fue hasta 1968 que se le quitó e calzoncillo de bronce a Diana, en el marco de las Olimpiadas en México. Sólo que se dañó la escultura con esto y prefirieron fundir una nueva pieza sin defectos. La Diana que se retiró fue donada a Ixmiquilpan, lugar del que era originario el regente de aquél entonces, Alfonso Corona del Rosal.

Pero a Diana la removieron de su sitio en 1974 por las obras del Circuito Interior, y la dejaron donde ahora se encuentra La Torre Mayor. En ese lugar pasó 18 años prácticamente escondida. Fue un grupo de intelectuales y artistas el que pugnó en 1987 para que Diana se colocara en la Glorieta de Reforma y Sevilla. La petición fue cumplida en 1992 y, desde entonces, Diana vive feliz flechando las estrellas y a todo aquél que la admira a su paso.

Esta histórica reunión de artistas cada fin de semana y desde 1955, hacen de este concepto y de estos lugares, focos turísticos obligados en el Distrito Federal.

En el Jardín Mariscal Santa Cruz, detrás del Monumento a la Madre, en la antigua estación de ferrocarriles llamada “Colonia” que operó hasta 1940, se encuentra el llamado Jardín de Arte, en donde desde 1955 cada domingo se monta la obra de decenas de artistas plásticos, quienes buscan un buen comprador para su trabajo.

Sullivan es una calle famosísima por haber sido una conocida zona roja en las noches, pero durante el día el parque es sitio de recreo infantil y, los domingos, no hay sitio más que para el arte.

La historia cuenta que fue el 23 de enero de 1955 que artistas del Instituto Nacional de la Juventud Mexicana, el Grupo 23 Escalones, El Parian de Puebla y muchos otros artistas de diversos estados, se reunieron y expusieron su trabajo al aire libre, en este jardín de la colonia San Rafael. Tres años más tarde fundaron la Asociación que hasta hoy los representa, la Asociación Jardín del Arte A.C.

Y fue en 1962 que otro grupo de artistas hace lo mismo pero en San Ángel, en los jardines de El Carmen y en San Jacinto. En 1967 se incorporan a la Asociación y hoy, dicen ser alrededor de 500 artistas en estos tres parques de la Ciudad de México.

Un Jardín del Arte ya es un término genérico para nombrar experiencias similares en los diversos estados de la República. La supervivencia de muchos depende de tantas variables, que pocos perduran por tanto tiempo. Estos tres parques, sin embargo, siguen su estancia y son un foco turístico, cultural y mercantil, pues aledañamente se montan talleres y actividades infantiles o zonas de venta de artesanías y demás productos para sabadear o dominguear con todo a la mano.

Los sábados son para los jardines de El Carmen y San Jacinto, en  San Ángel; mientras que los domingos son de Sullivan y de El Carmen. ¿Horarios? De 10 de la mañana a cuatro de la tarde como mínimo o según las condiciones del tiempo.

Pintura, escultura, grabado y hasta fotografía, son las artes más populares en el Jardín del Arte. La calidad de las obras depende de cada artista y las compras, del gusto de cada comprador. Y si bien no encontramos ningún Toledo entre la oferta, sí hay opciones para llevarse a casa, además de gozar la experiencia de caminar al son de una acuarela o un grabado bajo el cielo abierto de la antigua Tenochtitlán.

Fotos Austeri | Jardín del Arte

El Estado de México cuenta con varias joyas ecológicas y una de ellas es el Parque Ecológico de Xochitla con 20 hectáreas de jardín y opciones de diversión para todos.

Para empezar, hay que decir que hay un tren que te lleva por todo el Parque. Éste cuenta con un huerto, invernadero, un vivero, un Jardín Botánico, otro llamado Jardín de la Filantropía, el Jardín de las Magnolias, el Jardín del Color, una zona de tréboles y una de plantas acuáticas. Esto, sólo para empezar.

Además, hay renta de bicicletas, cuadriciclos, un juego de boliche campestre, circuitos de acondicionamiento físico y de educación vial; cuenta con un euro-bungy, golfito, juegos inflables, infantiles, laberintos, lanchitas, pared de escalada, ping pong y una feria. Ya para terminar, también tiene una pista de autos de control remoto y tiro con arco, además de muchas zonas para hacer picnic y celebraciones especiales.

La fundación que lleva este parque ha organizado una serie de posibilidades anexas, como la de ofrecer banquetes, organizar fiestas infantiles, visitas escolares, campamentos, renta de jardines para eventos y además cuenta con un Centro de Convenciones para diversas actividades empresariales. Es cuestión de consultar sobre sus servicios.

La entrada es de 40 pesos por adultos y 30 por niños. No pueden entrar bebidas ni alimentos, así que cuenta con áreas de venta de alimentos. También hay venta de plantas y tiendas de recuerdos.

Xochitla es una de las mejores opciones para pasar un día de paseo en el estado de México. No dejes de visitar su sitio para conocer horarios y demás especificaciones.

Fundación Xochitla A.C, es una institución sin fines de lucro

Carretera Circunvalación s/n, Tepotzotlán

Teléfono: 5899 6600

Fotos Todos los Derechos Reservados por ytzcoyotl | TipKids

Nacida en la Ciudad de México y criada en Tijuana, Ximena sólo dio un salto hacia California en cuanto decidió su futuro en la moda. El Fashion Institute of Design and Merchandising de California fue su alma máter y, luego de ella, el mundo profesional de la moda ha sido su escuela.

La leyenda sobre ella dice que empezó a estudiar moda a los ocho años, durante las vacaciones de verano. Hoy, ya con 34 años, asentada en Los Ángeles, Ximena es bien conocida por su propuesta de una moda transformable. No sigue tendencias, las crea. Fue colaboradora de Victoria’s Secret y de allí adquirió una clara conciencia sobre el cuerpo femenino y una inspirada manera de concebir la silueta.

Lo que recientemente nos ha mostrado es una figura ultrafemenina, con escotes creativos, drapeados románticos y fantásticas telas que se adhieren al cuerpo de manera perfecta.

Fue ganadora en 2007 de la Excelencia en ropa de noche en el Fashion Week de Miami y poco tiempo después sus prendas empezaron a ser usadas por diversas figuras del medio artístico como Alicia Keys, Katy Perry, Jessica Alba, Janice Dicksinson o socialités internacionales de la talla de Margarita Missoni.

Conocedores del medio no dudan en hablar de Ximena Valero como una de las promesas latinas más destacadas de la industria. Hay que seguir la pista de su carrera.